EL DIÁLOGO ESCÉNICO DE LOKAS JUANAS

Danza, música y todo el universo que puede darse en la combinación de ambas disciplinas es lo que trabaja Lokas Juanas, dupla de artes escénicas conformada por la docente, coreógrafa y bailarina Juanita Paz Saavedra y el músico y artista visual Cristian Reinas; ambos colaboran desde sus áreas para generar una poética escénica integral, donde todos los elementos (cuerpo, movimiento, sonido, escenografía) forman un universo discursivo.

Conversé con ellos largo y tendido sobre sus orígenes, proyecciones y los discursos que quieren mover en Concepción. Te invito a conocer esta dupla creativa.

1. lokas juanas trabajando - créditos de la imagen a Patagonmedia (1)

Ph: Patagón Media

La génesis

Lokas Juanas nace el año 2012 como una plataforma generadora de metodologías para la enseñanza de la danza. Su creadora, Juanita Paz, proviene de la escuela del Calaucán y quiso desarrollar una escuela que potenciara el oficio del bailarín-creador. A través de proyectos Fondart generó una especie de escuela por la que pasaron muchos jóvenes, que dieron vida al elenco Lokas Juanas. Juanita se contactó con Cristian para realizar una investigación sonora desde la danza en una pieza puntual, Carne Rota. Ahí comienza el trabajo colaborativo.

Luego de tres años y medio de trabajo se disuelve el elenco, al no contar con fondos que siguieran financiando su quehacer y por una necesidad de nuevas búsquedas artísticas. A partir de 2016 trabajan como dupla en lo que llaman un diálogo artístico interdisciplinario.

¿Cómo se da este cruce de lenguajes?

Cristian: Cuando empezamos a trabajar fue importante que la música fuese un elemento que se articulara muy a la par con el movimiento. A medida que la Juani iba desarrollando las escenas, yo iba haciendo la música. Pasó que se generó un diálogo real entre la danza y la música, que creo que no se da tanto cuando usas una música que está envasada. En un principio los roles estaban muy definidos, Juanita estaba en lo coreográfico y yo estaba haciendo la música y de a poco los dos empezamos a meter la cuchara en el campo del otro, en un diálogo muy intuitivo.

Juanita: Para nosotros fue súper importante tener una mirada del discurso poético o artístico no igual, pero sí complementaria. Trabajamos mucho desde la construcción, desde lo que opina el otro, las ideas crecen y se desarrollan en conjunto.

Este diálogo entre la creación de música y danza, ¿cómo lo perciben?

J: La apuesta es hacer una propuesta escénica en relación a lo sonoro y a la danza, articulando todos los elementos que se involucran para efectos de una propuesta que intentamos sea siempre minimalista. Me refiero a colores, texturas, siempre intentamos trabajar con lo minimal…

C: Sí, tenemos cuidado en no poner elementos por ponerlos. Cuando empezamos a trabajar como dupla, pude empezar a meter más mis conocimientos de artes visuales, justificar el porqué de un elemento y si está aportando realmente. Algunas piezas que venían de antes pasaron por un colador de cuáles son los elementos necesarios que se van a utilizar y cómo construimos una estética, una poética escénica que se sustente como discurso, que lo escenográfico se sostenga como una instalación por sí misma.

J: Siempre tratamos de que todos los elementos que estén en nuestras propuestas escénicas los trabajemos desde un lugar súper simbólico, que sea parte de nuestro discurso poético. De alguna manera, es una decisión política, ya sea a nivel de contenido, a nivel discursivo y a nivel poético de la escena. Nos interesa mucho ser prolijos en eso, porque los dos somos penquistas y creemos que se pueden generar materialidades penquistas, hacer un arte regional, hacer propuestas, decir ‘este es nuestro discurso’, que tiene que ver con la identidad, con la memoria, con un contenido social.

2. Función ''Carne Rota'' - créditos de la imagen a Patagonmedia

Carne Rota / Ph: Patagón Media

En torno a este discurso identitario, ¿qué aspecto buscan relevar con sus obras?

C: La perspectiva de lo local nos interesa porque suele pasar mucho que en Conce se convoca gente de otros lados para trabajar y está super bien, porque hace falta tener nuevos aires y que lleguen ideas de otros lugares, que haya diálogo. Pero también tiene que haber de lo otro, así como tenemos que invitar coreógrafos de afuera, también tenemos que poner en valor a los coreógrafos que tenemos acá, porque ahí se hace el diálogo, sino estamos sólo recibiendo. Igual todo esto es como un proceso y una declaración de principios que se va construyendo cada vez, no es que tengamos el asunto resuelto.

No es muy común su forma de trabajo, ¿cómo ha sido crear en dúo?

C: El formato dúo es super atípico para el mundo de la danza, generalmente son compañías numerosas, como elencos o colectivos de cinco a seis personas. Es hasta difícil de explicar: un dúo de creación fundado más que nada en la danza, donde una de las personas baila, es una figura rara.

J: Lo que hemos hecho cuando necesitamos elenco es que convocamos a las personas indicadas para cada proyecto. Este modelo nos parece interesante porque nos permite el flujo, que Lokas Juana sea una plataforma de exploración interpretativa y diálogo, para generar metodologías de trabajo.

Con respecto a las temáticas que recurren a través de sus propuestas, ¿a qué apelan con su danza?

C: Cada pieza tiene una temática particular, pero el hilo conductor es que para nosotros el arte es político, siempre, incluso si dices ‘mi arte no es político’, eso es político. Entonces intentamos ser conscientes de esa dimensión política del arte. Hay temas que a ambos nos convocan, temas sociales, de realidades a nivel país, cuestiones de género, la otredad, que intentamos tratar desde una mirada muy particular, pero muy universal a la vez.

¿Cómo logran ese nivel de abstracción para que una pieza pueda ser entendida en diferentes contextos sin que la obra pierda la identidad desde donde fue construida?

C: Apelamos a la empatía del cuerpo. El cuerpo que está en escena es igual que el tuyo, si yo veo ese cuerpo afectado por ciertos estímulos o lo veo en cierto estado, lo veo respirando agotado, voy a generar empatía, porque yo también soy un cuerpo y sé lo que es estar cansado.

J: En Lilith, nuestra última obra, planteamos toda nuestra poesía y preocupación con temáticas sociales.

Hablemos más de Lilith, la obra con la que ganaron la categoría de artes escénicas en los Premios Ceres 2017…

C: Lilith no es una obra que sólo se trate de la primera mujer emancipada, que sería la lectura más obvia. Sí, se trata de las mujeres, pero también apela a una otredad, de lo que no es lo principal.

J: Carne Rota trata un poco eso…

C: Sí, y van apareciendo estos hilos transversales a todas las obras. En algunas se acentúa más un aspecto que otro, pero hay preocupaciones sociales de fondo que son como hilos conductores.  

3. Función ''Lilith'' - créditos de la imagen a Patagonmedia

Lilith / Ph: Patagón Media

¿Cómo se da el proceso creativo de sus obras? ¿La idea la propone primero el cuerpo o la música?

J: Depende de la inspiración del proceso, porque de repente el Cris está más inspirado que yo o viceversa. Lo interesante para nosotros es que ahora estamos trabajando en paralelo.

C: Se ha ido puliendo el sistema, porque al principio, cuando llegué a Carne Rota, la Juanita tenía coreografiada la obra entera y yo llegué a ponerle la música.

Me imagino que eso hace mucho más rica la experiencia, ver una obra con música especialmente creada para ella…

C: Y que además se ejecuta en vivo, nunca hemos hecho una obra con playback.

J: Lo que hemos estado cuestionando es el rol del Cristian, hemos jugado con su rol escénicamente, está adentro o está afuera, vamos rotando porque en nuestra metodología tomamos ciertos juegos infantiles y los utilizamos como plataforma para crear material, para crear nuevas reglas y códigos conceptuales. Lo trabajamos en forma paralela, yo con el cuerpo y el Cris con la música.

¿Y se retroalimentan en el proceso?

J: Sí, somos co-autores de las ideas y ojalá que siga así.

C: Trabajamos juntos todo el tiempo, puede que no sea tan obvio, pero es así. En los ensayos estamos todos.

Para ir cerrando, ¿cómo vislumbran el futuro de Lokas Juanas?

J: Estamos participando en el módulo Taller Coreográfico del Programa Em Foco y vamos a empezar un trabajo creativo, en un formato que todavía estamos decidiendo. Me refiero a convencional o no convencional, dúo o solo, pero eso ya sería una nueva creación para el segundo semestre.  

C: Tenemos también una invitación a Puerto Natales para hacer un seminario y ahí queremos programar una presentación. Y tenemos ganas de programar una itinerancia para fin de año por Buenos Aires.

J: En resumen: primer semestre más bien pedagógico; segundo semestre, más creativo, y ver si los financiamientos confabulan a nuestro favor para cerrar con una itinerancia.

4. Función ''Voyeur'' - créditos de la imagen a Patagonmedia

Voyeur / Ph: Patagón Media

por Camila Belén 

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